C'est Noël, le temps de faire plaisir en offrant quelques cadeaux. Mais quel casse-tête pour trouver que mettre sous le sapin, pour la bonne personne. Voici quelques suggestions tirées des nouveautés de la bibliothèque :
Pour cousin Théo, fan de séries télévisées : la BO de Game of thrones, pour piano.
Pour douce Maman : un bouquet de ballades romantiques.
Pour tante Tania, abonnée au Grand Théâtre, en prévision du prochain spectacle Médée : l'Avant-Scène opéra
On connaît toutes ces fameuses mélodies - ou presque - et leurs paroles, mais qu'en est-il de leurs origines ? Voici quelques tubes et des renseignements à leur sujet figurant dans "Les plus beaux chants de Noël pour les nuls", qui, après leur lecture, vous rendront un peu moins... ignorants !
Mon beau sapin Les paroles de cet hymne - "O Tannenbaum", dans sa version originale allemande - ont été écrites par un auteur anonyme en 1550. Même si elles concernent bien un sapin, il n'est pas question de Noël. Il s'agit d'un amant déçu se lamentant sous cet arbre et glorifiant la fidélité des aiguilles malgré l'hiver. Quant à la musique, la première version est du compositeur Melchior Frank. C'est la version de 1824 de l'organiste Ernst Anschütz, avec deux couplets supplémentaires transformant la lamentation amoureuse en chanson de Noël, qui est restée dans les anales. Au XXe siècle, étant une des rares chansons de Noël ne faisant pas allusion à la religion, elle est récupérée par des mouvements politiques de tous bords. De nos jours, elle est même l'hymne de l'Etat du Maryland !
La jambe me fait mal Cet air provient du pays des santons, d'où son titre en provençal ou en occitan "La cambo me fai mau". C'est sans doute Nicolas Saboly (1614-1675), maître de chapelle, qui a écrit ce chant racontant le périple d'un berger, qui, malgré sa jambe malade, désire aller rendre visite à Jésus nouveau-né, pour autant qu'on l'aide à seller son cheval. Le dernier refrain l'annonce guéri après être arrivé à destination :
Quand j'aurai vu le Fils de Dieu le Père,
Quand j'aurai vu le Roi du ciel venu,
M'en revenant de saluer sa Mère,
M'en revenant, tout sera différent.
Je n'aurai plus de mal,
Boute selle, boute selle,
Je n'aurai plus de mal,
Boute selle à mon cheval.
We wish you a merry Christmas
Un des plus célèbres cantiques profanes, anonyme, datant du XVIe siècle et mentionnant à la fois les fêtes de Noël et de Nouvel an. Il fait référence à la tradition anglaise des chanteurs venant à Noël quémander aux plus fortunés des friandises, des cakes, des figgy pudding (ancien plat aux figues servi à Noël) et de l'argent pour les plus déshérités.
Jingle bells
Le plus populaire des chants de Noël a été composé à Medford, Massachussetts, où une plaque commémorative le mentionne. James Lord Pierpont s'est inspiré des clochettes des courses de traîneaux très pratiquées dans cette petite ville. Cette chanson est devenue rapidement célèbre car elle a été enregistrée en 1898 et a pu ainsi être diffusée. Mais elle l'a été encore plus dès 1940 avec les reprises des crooners et des orchestres de jazz.
Quant aux paroles de la version française de 1948, elles sont l'oeuvre d'un certain Francis Blanche !
Minuit, chrétiens Autant son compositeur Adolphe Adam - connu pour ses opéras et ballets - que son parolier Placide Cappeau - poète négociant en vin, républicain, socialiste, anticlérical - n'étaient pas du tout portés sur la religion. Des athées qui ont écrit l'un des plus célèbres chants de Noël, surnommé "La Marseillaise religieuse" par son compositeur et même de "chant d'ivrogne" par Claude Debussy !
Qui connaît ce titre ? Une oeuvre lyrique, oui, mais de qui ?
Richard Wagner a bien écrit un opéra-comique. Nous venons d'acquérir la partition du premier opéra écrit par Richard Wagner Das Liebsverbot oder Die Novize von Palermo (WWV 38), un opéra-comique en deux actes. Avant cela, Wagner a tenté Les Noces, restées inachevées et dont le manuscrit fut détruit par Wagner lui-même, puis Les Fées, terminées bien après cet opéra-comique en 1888.
Le dictionnaire encyclopédique consacré à Wagner, sorti récemment aux Editons Actes Sud nous confirme que le livret est largement inspiré de Measure for measure de William Shakespeare. L'oeuvre fut créée en 1836 à Magdebourg. A part de très rares productions, il faut attendre 1957 pour voir à nouveau monter Das Liebesverbot à Dortmund, puis en 1973 à Bayreuth. Plus proche de chez nous, l'Opéra du Rhin a réalisé une production en 2016. Das Wagner Lexikon nous renseigne davantage sur cette oeuvre très peu jouée.
Le lien privilégié de la bibliothèque avec la scène lyrique genevoise permet de constater que cette oeuvre n'a jamais été jouée à Genève.
Le dernier ouvrage de Rémy Campos, coordinateur de la recherche à la HEM, évoque l'été : Debussy à la plage ! Il s'agit là d'une co-édition entre la Haute Ecole de Musique et les Editions Gallimard. Mais qu'on ne s'y trompe pas, l'auteur insiste, le titre n'est donc pas celui d'une pochade qui alignerait des photographies inédites levant le voile sur l'intimité d'un génie. La formule est moins une allusion anecdotique au décor balnéaire des clichés d'août 1911 que l'indication du thème de notre enquête : des lieux pris au sérieux et inlassablement interrogés afin de saisir ce que les personnes y font et en font.
Ainsi, les différents chapitres nous donnent à saisir les pans de la vie ordinaire du compositeur de même que celle de ses contemporains. Les sources iconographiques reposent sur les albums photographiques des Debussy, complétés par les prises de vues des amateurs de l'époque et des cartes postales et pour le chapitre Avenue du Bois celles de Jacques-Henri Lartigue.
Présentation de l'ouvrage (voix de Denis Podalydès)
L'image de la couverture est conservée à la BNF, où l'on peut voir, comme dans les studios, le sujet qui pose seul devant l'objectif. La destination balnéaire choisie par son épouse le laisse d'ailleurs agréablement surpris :
Ce pays est beaucoup moins désagréable qu'on pouvait le penser. L'air qu'on y respire est léger, la mer apaisante, les gens acceptables.
Lettre à Jacques Durand, Houlgate, 5 août 1911
Pour découvrir d'autres images de l'ouvrage, vous pouvez vous rendre sur le site consacré à la photographie L'oeil sensible. Enfin, l'ouïe n'est pas en reste, l'ouvrage contient un enregistrement du Martyre de Saint-Sébastien dirigé par Stefan Asbury en 2005. La création de cette oeuvre en mai 1911 précède de quelques semaines l'été à Houlgate.
...la terre d'ici pouvant ressembler à celle des Bardenas Reales
Les titres de nos acquisitions évoquent étrangement une atmosphère aqueuse antonymique à cette fin de saison : Une larme,Trombes d'eau, deux nouvelles pièces pour contrebasse ! Trombes d'eau est une composition de François Rabbath. Si ce nom ne vous dit rien, avant de lire sa musique, vous pouvez écouter Kobolds, pièce rythmique pour quatre contrebasses sur la discothèque numérique Naxos.
Selon le Financial Times de Londres, «Rabbath est certainement un phénomène, et on peut dire avec sûreté que peu de contrebassistes - sinon aucun - avant ou depuis lui ont amené l'art à un tel niveau de sophistication technique - et aucun d'une façon aussi élégante et charmante.»
Sur le site de France Musique, il est présenté comme autodidacte dans une famille où tous ses frères sont musiciens. Quittant la Syrie pour Beyrouth, il découvre la méthode d'Edouard Nanny. Sur ce même site, on peut lire :
Guidé seulement par cet ouvrage [la méthode de Nanny] il élabore une approche innovante et originale qui est validée lors des rencontres fortuites avec les musiciens Yehudi Menuhin et José Iturbi, de passage à Beyrouth, qui le félicitent et l'encouragent. À l'âge d'or de la chanson française, il a accompagné les plus grands : de Piaf à Aznavour, de Brel à Barbara en passant par Oum Khalsoum et Michel Legrand. Interprète et compositeur éclectique, il a créé sa méthode d'apprentissage de la contrebasse, véritable référence aux États-Unis. Sous son influence, la contrebasse s'émancipe pour devenir un instrument soliste à part entière, au même titre que le violoncelle.
La nouvelle technique de la contrebasse, élaborée sur plusieurs années, fait toujours référence et le témoignage de son auteur conservé par l'INA confirme la passion dédiée à l'instrument. Plus récemment, en 2008, le film Bach à la quarte dresse le portrait de Rabbath alors qu'il se lance dans le projet de jouer à la contrebasse les Suites pour violoncelle de Bach.
Quant à Une larme de Rossini, cette pièce illustre l'attachement de Rossini pour la sonorité grave des instruments à cordes - à 12 ans il compose des soli pour contrebasse dans les Sei sonate a quattro. Une larme fut composée en version brève pour contrebasse et piano et retravaillée ultérieurement dans une version pour violoncelle et piano qui figure dans les volumes des Péchés de vieillesse. Selon la préface de notre acquisition, cette édition «offre pour la première fois au contrebassiste la possibilité de jouer sa partie sans altérer la substance musicale, tant avec l'accord d'orchestre que soliste de son instrument. Nous mettons par ailleurs à la disposition des interprètes des partitions pour piano en la mineur et en si mineur. L'édition comprend en outre une partie de soliste avec annotations et une partie sans annotations.»
C'est lors d'une conférence donnée dans le cadre du festival Histoire et Cité que j'ai entendu parler de l'opérette de Germaine Tillion Verfügbar aux Enfers. Comme notre bibliothèque ne possédait pas cette oeuvre, c'était l'occasion de l'acquérir. Voilà qui est fait : le livret, avec le fac-similéen regard et dans un carnet annexé, est maintenant disponible dans un bel ouvrage édité chez de La Martinière. Germaine Tillion (1907-2008) est une ethnologue française qui a travaillé en Algérie entre 1934 et 1940. De retour en France, elle entre dans la Résistance avant d'être déportée dans le camp de Ravensbrück. C'est ici qu'elle écrit en cachette son opérette Verfügbar aux Enfers.
Voici l'un des textes les plus singuliers parmi ceux qui proviennent des camps nazis de la mort. En octobre 1944, déportée depuis un an à Ravensbrück, Germaine Tillion choisit d'aider ses camarades en les entraînant dans la création d'une oeuvre. Cachée au fond d'une caisse d'emballage, elle rédige une "opérette-revue" consacrée à la vie au camp - comédie loufoque et en même temps analyse lucide de l'univers concentrationnaire. Faire mieux comprendre à ses compagnes d'infortune la situation dans laquelle elles se trouvent tout en les faisant rire, tel est le but que se donne - et qu'atteint - cette oeuvre insolite: voir son propre malheur à distance permet de mieux lui résister.
Dans cette opérette, les dialogues sont entrecoupés de danses et de chansonnettes, inspirées de mélodies connues à l'époque (chansons populaires, airs d'opéra ou marches militaires). En fin de volumesont données les références musicales dont sont issus ces airs : Au clair de la lune, Et l'on s'en fout d'attraper la vérole, des extraits de Phi-Phi, Irène, La fille de Madame Angot, Le roi d'Ys, Ciboulette, Orphée... Parmi ceux-ci, on trouve même la chanson Travaillons, ma mie, en chantant d'Emile Jaques-Dalcroze reprise avec les paroles Tuyautons, ma mie, en chantant !
Représentation au Théâtre Graslin, Nantes, 2011
En 2007, pour les 100 ans de sa créatrice, Verfügbar aux Enfers est mis en scène au Théâtre du Châtelet. En 2015, 7 ans après sa mort, Germaine Tillion entre au Panthéon.
Sous cet intitulé, un article paru dans La lettre du musicien no 503 de janvier 2018 nous invite à découvrir quelques nouvelles "exhumations" éditoriales. Debussy Les éditions Schott publient un Nocturne pour violon et pianode Debussy dont on commémore les 100 ans de sa mort en 2018.Robert Orledge a reconstitué cette oeuvre en associant des esquisses retrouvées en 2006 à celles conservées à la BNF, qui étaientà l'origine dédiées au violoniste Eugène Ysaÿe pour lequel Debussy avant commencé à composerdes "Scènes au crépuscule" et des "Nocturnes".Robert Orledge a également orchestré ce nocturne qui a été créé à Amsterdam en 2011 sous la direction du chef suisse Heinz Holliger. Saint-Saëns On connaît deux sonates pour violoncelle et piano de Saint-Saëns. Mais en 1996, une troisième sonate est découverte dans des papiers donnés au Musée de Dieppe, ville où le compositeur a habité. Saint-Saëns débute sa sonate pendant la première Guerre mondiale mais a du mal à trouver l'inspiration ("Voilà plus de 60 ans que la source coule, elle a bien le droit de ne plus être aussi abondante.").En 1917, au moment de la mort du dédicataire, le violoncelliste Pierre Destombes, elle est encore inachevée.
Denis Herlin, qui édite cette sonate chez Bärenreiter dans le cadre de la nouvelle édition des oeuvres instrumentales du compositeur, l'a laisséeincomplète, telle que retrouvée, s'achevant abruptement avant la fin du deuxième mouvement. Pourtant, selon des échanges épistolaires entre le compositeur et l'écrivain Pierre Aguétant, la sonate comportait quatre mouvements. Saint-Saëns avait même dû la réécrire en l'espace de 24 heures, le manuscrit ayant été perdu la veille d'un concert par le violoncelliste devant l'interpréter. "Ce fut un mal pour un bien, car la nouvelle copie, bien que faite en grande vitesse, se trouva plus belle que n'avait été la première". Peut-être qu'un jour ce manuscrit perdu réapparaîtra, dans sa totalité.
"Soirée pour Camille" : entretien avec Denis Herlin, éditeur scientifique
Penderecki
Ni perte ni retrouvailles pour cette oeuvre, il s'agit "seulement" d'une création parue aux éditions Schott. Krzysztof Penderecki a composé La follia pour la violoniste Anne-Sophie Mutter en 2013. Neuf variations suivent un thème proche de celui ayant inspiré de nombreux compositeurs, de Liszt à Rachmaninov. C'est un vrai défi pour le violoniste, pas seulement en matière de virtuosité, mais aussi parce que ces variations demandent "un sens de la construction et du chant polyphonique à la manière de Bach." A vos archets ! Disponibilité Debussy Disponibilité Saint-Saëns Disponibilité Penderecki
Programmé en concert par la Psalette de Genève en 2019, le Magnificat de Martin Palmeri est une oeuvre à découvrir. Chantée en latin sur un texte liturgique, ce magnificat est écrit pour deux voix solistes (une soprano et une mezzo), choeur mixte, bandonéon, piano et orchestre à cordes, une formation instrumentale faisant référence à la tradition du tango argentin. Après avoir composé sa Misatango en 1996, devenue un succès mondial, Palmeri nous offre ce nouvel opus qui ne manquera pas de figurer au répertoire de nombreuses chorales, si on en croit la critique très élogieuse qu'en fait le site de promotion du chant choral AvantChoeur.com :
"Un mélange d’exaltation et de gravité... ...Il faut dire que le chœur est bien servi par cette œuvre, avec huit interventions sur onze numéros. Gâté naturellement par la dramaturgie intrinsèque de l’Evangile de Saint Luc, le chœur rit, s’inquiète, s’interroge ou s’exalte avec un évident plaisir."
Martin Palmeri, pianiste, chef de choeur et compositeur argentin né en 1965, a aussi composé un oratorio de Noël, ainsi que des oeuvres chorales, symphoniques et un opéra Mateo (1999). Ses partitions sont éditées chez Tonos et chez Schott, notamment.
Martin Palmeri est un compositeur argentin,
né en 1965 (photo AvantChoeur.com)
Enregistré en première mondiale en 2016, en Pologne, par le label DUX, le CD du Magnificat de Palmeri peut être écouté intégralement sur le poste d'écoute de la bibliothèque, via la plateforme Naxos Music Library.
Bien que nombreux, les compositeurs portugais restent méconnus et peu souvent interprétés dans nos pays francophones.
Compositores portugueses, repertório para pianistas : une nouvelle collection de pièces pour pianistes vient parer à cet "oubli". Elle propose un choix d'oeuvresdu 18e au 20e siècle. Le premier volume présente de courtes pièces facilement abordables, classées dans l'ordre chronologique de leurs auteurs, avec des pièces d'albums célèbres aussi bien que des pièces inédites écrites spécialement pour la collection. Il est suivi de trois autres volumes, avec une progression dans la complexité pianistique de l'ensemble des oeuvres, jusqu'au 4e volume à aborder dès la huitième année de piano. Le 20e siècle est bien représenté avec des compositeurs tels que Eurico Thomaz de Lima (1908-1989), Fernando Lopes-Garça (1906-1994), Frederico de Freitas (1902-1980),
Le pianiste et compositeur portugais Fernando Lopes-Garça (Photo : Eduardo Gageiro)
et les compositrices telles que Constança Capdeville (1937-1992), Maria de Lourdes Martins (1926-2009), Anne Victorino d'Almeida (née en 1978). Le dernier volume présente un choix de fados composés originalement pour piano par Alfredo Keil, Eduardo Burnay et Ruy Coelho. Une courte biographie en français, portugais et anglais, ainsi qu'une photo documentent le parcours des compositeurs et compositrices, soit plus de trente personnalités musicales différentes dans chacun des volumes de cette anthologie!
Saudade (intermezzo)de David de Sousa (partition dans le vol. 3)
De quoi éveiller la curiosité et découvrir une diversité de styles riches et contrastés de la musique classique au Portugal : du répertoire pédagogique, à l'école moderne de Darmstadt, en passant par le fado et la musique populaire.
"Beethoven a composé 10 sonates, j’en suis à la 9e. C’est pourquoi mes amis m’appellent le Beethoven vietnamien." Voilà comment le compositeur vietnamien Nguyen Van Quyexplique son surnom.
Né en 1925, Nguyen Van Quy s'initie très jeune à la musique, par l'intermédiaire de son père joueur de monocorde vietnamien, puis au sein d'une chorale. Il apprendra à jouer de la mandoline, du violon, de la guitare et ira jusqu'à suivredes cours d'harmonie par correspondance avec la France. Il consacrera sa vie à l'enseignement de la musique et à la composition.
Il a écrit bon nombre de chansons très connues aux thèmes divers : chansons à la gloire de la beauté et de la pureté des sentiments amoureux, chansons patriotiques, chansons pour enfants. Elles ont souvent été diffusées à la radio vietnamienne et interprétées par des chanteurs célèbres. Mais ses compositions les plus reconnues sont sans aucun doute ses neuf sonates pour violon et piano. Malgré sa popularité acquise grâce à ses chansons, Nguyen Van Quy s'est tourné vers un style de musique peu répandu dans sa culture mais qui lui permettait de mieux exprimer ses pensées profondes. Ses sonates - portant l'âme vietnamienne et son identité culturelle - lui a valu d'être reconnu internationalement.
Sa première sonate est écrite en 1963, mais ne sera jouée qu'en 1981 au Conservatoire d'Hanoi. Il en est de même pour ses autres sonates restées longtemps dans l'ombre. Toutefois la reconnaissance sera au rendez-vous, deux des sonateslui valant le prix de l'Association des musiciens vietnamiens en 1995 et 2005. De même, le prix Patrimoenia a été remis par une fondation genevoise à Nguyen Van Quy à l'ambassade suisse à Hanoi, en 2009, pour l'ensemble de son oeuvre.
Sonate no 8, 2ème mouvement : L'âme d'Hanoi
Ce qui plaît aux "étrangers" dans ces oeuvres, c'est la juxtaposition d’une forme musicale et d’instruments occidentaux avec des mélodies orientales.Pour preuve ce qu'en dit la violoniste française Isabelle Durin qui a interprété ces sonates et à qui la 9ème est dédiée : "Les œuvres de Nguyen Van Quy me touchent par leur style original. Elles transcendent la nationalité du compositeur et ouvrent un nouvelhorizon musical qui parle à l’Humanité tout entière."
Si vous voulez vous essayer à la musique classique vietnamienne et la faire découvrir à votre public, les sonates de Nguyen Van Quy et quelques-unes de ses chansons - directement ramenées du Vietnam par un généreux lecteur - font partie des nouvelles acquisitions de la bibliothèque !
Vient de paraître aux éditions Loisirs et pédagogiePolyphonies : les instruments en classe de formation musicale de Patrick Mamie. Grâce à son expérience, ce professeur au Conservatoire populaire de musique, danse et théâtre de Genève propose une nouvelle approche de la formation musicale en incluant les instruments dans les cours de solfège. Faisant suite à Progressions : formation musicale par les chansons, les quatre volumes constituent également une progression sur les cinq premières années d'étude : initiation, débutant, moyen et avancé. Le "répertoire varié, stimulant et ludique, convient adéquatement à la création d'orchestres en classes de tous niveaux. Chant, instruments mélodiques et percussions sont au rendez-vous dans chaque ouvrage où les élèves sont invités à se rencontrer, à dialoguer et à partager ainsi le plaisir du jeu collectif."
Comme le dit Patrick Mamie dans son introduction, l'objectif est de lier les notions de base de solfège à la pratique instrumentale. Il n'est pas question d'obtenir la perfection de jeu entre les musiciens, vu leur diversité, leur âge et leur niveau. Mieux vaut jouer beaucoup de pièces pour ainsi découvrir tout un univers polyphonique. Les enseignants doivent s'adapter à leur classe, éventuellement transformer les partitions pour les rendre abordables à leurs élèves.
L'instrumentation est conçue pour piano, piano électrique, clavier électronique, accordéon, flûte à bec, flûte traversière, hautbois, clarinette, basson, saxophone, cornet, trompette, trombone, guitare, violon, alto, violoncelle, contrebasse, percussions. Les partitions sont en do mais aussi en si et mi bémol ainsi qu'en clé d'ut. Tout le monde devrait s'y retrouver ! Disponibilité
L'opéra composé par David Alagna en collaboration avec ses deux frères, Roberto et Frederico, a pour sous-titre : drame intérieur. Basé sur le roman éponyme de Victor Hugo écrit en 1829, ce récit, décrit par les éditeurs comme, "un long monologue intérieur dans lequel un condamné à mort relate sa vie, ses pensées, ses angoisses, ses souffrances durant les six semaines qui séparent le début de son procès du jour de son exécution. Il s’agit là pour Victor Hugo d’un véritable plaidoyer en faveur de l’abolition de la peine de mort".
Sur scène, un seul chanteur, le frère du compositeur, Roberto Alagna, "unique personnage de la version originale, placé dans la prison du Kremlin-Bicêtre à Paris autour de 1828, le compositeur ajoute un double féminin situé dans un pays indéfini dans les années 2000. Les deux récits, sous forme de deux monologues simultanés, mais indépendants, se déroulent parallèlement, sans que les personnages interagissent ou se voient."
Créé sous forme de concert au Théâtre des Champs Elysées en 2008 sous la direction de Michel Plasson, cet opéra est ensuite réalisé en version scénique à l'Opéra de Debrecen, en Hongrie l'année suivante. Enfin, il faut attendre 2014 pour qu'il soit programmé en France, à l'Opéra d'Avignon. Dans les prochaines semaines, c'est à Marseille que Le journal d'un condamné sera programmé.
La bibliothèque propose que vous découvriez cette oeuvre grâce à la réduction publiée par les Editions Symétrie. Ces éditions collaborent avec le Palazzetto Bru Zane, Centre de musique romantique française. Comme son nom l'indique, ce centre a "pour mission de faire connaître au plus grand nombre un héritage artistique passionnant : le patrimoine musical français de la veille de la Révolution au lendemain de la Première Guerre mondiale (environ 1780-1920). Ce projet s’appuie sur plusieurs actions complémentaires menées à l’échelle internationale : recherche, édition, formation et production de concerts".
Plusieurs partitions nouvellement acquises vous permettront d'apprécier leur travail.
Tel est le challenge de cette méthode de chant nouvellement acquise par la bibliothèque. Son auteur, Christian Cravero, propose en effet un programme sur 8 semaines pour maîtriser le chant de variété, ne demandant aucune notion en solfège et en musique préalable. A raison de 20 minutes par jour du lundi au samedi - rien n'est prévu le dimanche : vous pouvez toujours chanter quelques psaumes sur les bancs d'église pour vous exercer - "vous allez apprendre à sortir et placer votre voix, acquérir une bonne technique respiratoire, découvrir les bases de l'interprétation et certains aspects du métier de chanteur" et surtout vous faire plaisir.
De manière progressive et ludique, on aborde des exercices de respiration (oxygénation, respirations costo-abdominale et dissociée), de vocalises, d'arpèges... Dès la deuxième semaine, on commence à apprendre une chanson (une pour les filles, une autre pour les garçons). A la fin du programme, ce sont quatre chansons qui seront à notre répertoire. Par ex. pour les tessitures aigües : L'oiseau et l'enfant, Au fur et à mesure, Pour que tu m'aimes encore, Aimer. Tout ceci est accompagné de deux disques qui permettent de chanter en playback, d'écouter des exemples et de faire les exercices vocaux et respiratoires.
L'auteur Christian Cravero sait de quoi il parle vu qu'il a dirigé ou participé aux séances d'enregistrement de voix avec des artistes tels que Dalida, Line Renaud, Carol Fredericks, Patrick Fiori, etc. Sa méthode est le résultat de plusieurs années d'enseignement du chant. On attend le volume 2 !
Quant à moi, je m'y mets dès demain et vous redis dans 8 semaines si la méthode répond aux attentes, me permettant de chanter ailleurs que sous la douche ! Disponibilité Disponibilité (méthodes de chant)
